I registi adorano le opere di Wagner, che infondono sfumature suggestive di parabole in trame e personaggi vividamente concepiti. Forniscono ossa forti e flessibilità.
Di recente, “Lohengrin”, su una società ansiosa e divisa e sull’accesso a un personaggio con poteri e segreti magici, è ambientato in ambienti diversi come un laboratorio, un’aula e una piazza cittadina neofascista.
e Sunday al Metropolitan Opera, in un mix oscuro e schietto di elementi pre-moderni e post-apocalittici. Diretto da François Girard, la produzione soffre di una semplice combinazione di colori da teatro per bambini, ma presenta brillanti esibizioni musicali dell’orchestra e dei cantanti principali.
Al Met nel 1998, Robert Wilson ha distillato “Lohengrin” in una visione di bande vorticose di luce e gesti gelidi. Il pubblico della serata di apertura, abituato alla produzione molto naturale di Wagner, si ribellò con una tempesta di fischi. Ma 25 anni dopo, lo spettacolo di Wilson sembra segnare una pietra miliare precedente, un presagio di come si espanderà la portata drammatica della compagnia.
Tra i momenti salienti di questa nuova era c’è stata la messa in scena di Girard, a partire dal 2013, del “Parsifal” di Wagner. Ambientato su una desolata collina tra un gruppo di uomini in camicia bianca e pantaloni neri, questa era la versione di Opera dei Guardiani del Santo Graal come un culto contemporaneo che incombe sui pianeti e turbina nelle proiezioni.
Quelle proiezioni cosmiche ritornano nel “Lohengrin” di Gerard, con una sorta di catastrofica esplosione celeste rappresentata durante l’introduzione orchestrale. L’azione che segue inizia sotto un muro esplosivo sospeso ad angolo sopra il palco, un enorme buco aperto alla vista di stelle e galassie in movimento.
Le persone che entrano sono vestite con pesanti abiti medievali e gioielli; Il trono pagano è fatto delle radici di un albero. Ma il Muro è di cemento armato, e Lohengrin, un misterioso cavaliere che presto arriva per vendicare l’onore di una donna accusata di aver ucciso suo fratello, indossa l’abito ultramoderno dei difensori del Graal nel “Parsifal” di Girard.
La connessione ha senso: come apprendiamo alla fine di “Lohengrin”, quando vengono svelati i segreti del personaggio del titolo, Lohengrin è il figlio di Parsifal. Ma il cenno di Gerard a “Parsifal” non favorisce la sua nuova produzione. Mentre “Parsifal” è chiaro nell’immaginare il culmine dell’opera come la fusione delle donne nel culto del Graal, questo “Lohengrin” non è interessato a nuove interpretazioni. Nessuno la scambierà per un punto di riferimento nella storia del Met.
Invece, il “Lohengrin” di Gerard, che riporta l’opera alla compagnia dopo 17 anni, è una cornice enfatica, utile, essenzialmente conservatrice per il pezzo. Fortunatamente, alcuni grandi cantanti completano il quadro. La cosa più importante, tuttavia, è che Pyotr Pekzala nel ruolo del protagonista quasi fluttua fuori dal palco con grazia e dignità inquietanti.
Questo tenore dalla mascella squadrata, sempre elegante, è popolare al Met perché interpreta i missionari nei classici francesi e italiani, come il duca in “Rigoletto”, Rodolfo in “La Bohème” e, questo inverno, l’ardente loris in ” Fedor.” Ma l’introduzione più chiara alla sua malinconia lohengrina è il suo Lensky in “Eugene Onegin” di Ciajkovskij, che canta la solitudine invernale mentre si prepara al duello e alla morte.
Beczala interpreta Wagner – puro, sottile e spesso rivelatore – con totale sicurezza ed eleganza. I vicoli morbidi hanno una sensibilità da favola; I suoi flussi e la forte copertura ricordano i suoi ruoli più aperti. Ma questo Lohengrin, anche nel suo stato più appassionato, ha la freddezza propria di un altro personaggio. È umano, ma non del tutto.
Maggiori informazioni sul teatro, la musica e la danza di New York questa primavera
- Rinascita musicale: Perché i peggiori personaggi dei musical ottengono le migliori melodie? Il nostro critico ha scritto che nei prossimi risvegli, i leader mondiali allo stesso modo, reali e mitici, stanno ottenendo un cambiamento di immagine che potrebbero non meritare.
- stelle nascenti: Questi attori diventati drammaturghi hanno tutti i loro ricordi e significati della loro vita nella creazione di questi quattro spettacoli, che arriveranno a New York nei prossimi mesi.
- Gustavo Dudamel: Il nuovo direttore musicale della Filarmonica di New York dirigerà la Nona Sinfonia di Mahler a maggio. Sarà uno dei biglietti più caldi della città.
C’è anche un’intrigante sottigliezza quando incontriamo Elsa ingiustamente accusata da Tamara Wilson, la lucentezza vitrea del suo accento biondo gelido come i suoi capelli. Ma mentre il Lohengrin di Beczala mantiene la sua riservatezza, la voce di Wilson si scalda gradualmente, fondendosi dolcemente nel duetto di amore e rabbia palpabile nel confronto.
Yannick Nizet Seguin, direttore musicale del Met, raggiunge questa grande colonna sonora con un sicuro senso di fluidità della velocità che fa respirare le scene di Wagner. La domenica ha guidato l’orchestra in ampie espansioni prima di rifocalizzarla su uno slancio cadente. Fresco senza essere fragile, l’inizio scintillante dell’introduzione del primo atto si sviluppa con un flusso lirico verso un climax emozionante.
Ci sono trombe sul palco in queste opere e ulteriori ottoni nei balconi. Ma N’Zet Seguin ha mantenuto la trama leggera; Anche al massimo, il suono non era mai statico.
Ha cambiato le magliette tra una sfilata e l’altra, da nera a rossa a bianca, e ha anche enfatizzato il già evidente gioco di colori che è così centrale nello spettacolo. Gli evocatori manipolano intricate serie di magneti nelle loro vesti per rivelare fodere rosse, verdi o bianche, a seconda delle drammatiche esigenze del momento. (Scenografie e costumi sono stati disegnati da Tim Yip, premio Oscar per “La tigre accovacciata, il drago nascosto”; luci scure, di David Finn; proiezioni interstellari, di Peter Flaherty.)
Il colore verde simboleggia il re Heinrich, che arrivò nel Brabante (intorno ad Anversa nell’attuale Belgio) con i suoi seguaci per radunare le persone lì per unirsi a lui nella lotta contro un’invasione da est. Il rosso è il colore degli indigeni brabantiani, che sono sotto la malvagia influenza di Frederick von Telramund e della sua affascinante moglie Ortrud. E il bianco evoca l’innocenza e la purezza di Elsa, in aiuto di Lohengrin.
Bene, se è piuttosto sul naso. Ma il luccichio infinito di vari liner al ritmo della musica in piena espansione – e le lotte visive che alcuni aspiranti domenicali hanno avuto con i magneti – sono diventati noiosi.
E ora ogni produzione del Met dovrebbe avere pezzi di scivolate e rotazioni coreografate? Qui, attribuito a Serge Benathan, i partecipanti ballavano leggermente con lanterne, cortigiani che lanciavano mantelli, stravaganti signori e marciavano in modo ridicolo a tempo. Era tutto un pezzo di produzione dal vivo al punto da essere eccessivo.
Come Ortrud, il soprano Christine Jurk è forse l’interprete più vicina all’atmosfera dello spettacolo: è poco sottile, anche se efficace, si torce costantemente le mani e si aggrappa alle sue collane. Gerard lo lega da solo, facendo gesti super affascinanti, per quasi l’intero prologo del terzo atto. Abbiamo capito: è cattiva!
La voce di Jurk è vivace, ma le frasi ricche si alternano ad altre aspre e ringhianti. Alcune delle note più alte rabbrividiscono, mentre altre mancano il punto. Il basso-baritono Evgeny Nikitin, una presenza imponente, suonava stanco e stonato come Telramund. Mi sono ritrovato a desiderare che il baritono Brian Mulligan, che cantava The Herald con un’intensità insolitamente vivace, avesse invece avuto quella parte più importante. Il basso Günther Großbuck Heinrich era forte.
Il coro del Met, in una delle opere più difficili del suo repertorio, è solidale e impressionante: nella strofa vertiginosa dopo che Lohengrin si presenta, il suo canto etereo è più sentito che ascoltato. Solo in alcuni dei contrappunti più complessi il suono può essere più nitido e le parole più chiare.
La pièce di Gerrard è ancora più semplice del suo sfocato adattamento di “Der Fliegende Holländer” di Wagner, che sarà ripreso al Met questa primavera. Trasmette, almeno, l’urgenza della marcia verso la guerra che dà all’opera la sua posta in gioco. E questa produzione sarà sempre un inconsapevole promemoria dell’invasione russa dell’Ucraina.
È stato concepito come una produzione congiunta del Teatro Bolshoi e del Met, ed è stato presentato in anteprima al Bolshoi di Mosca il 24 febbraio 2022, il giorno dell’invasione. È diventato presto evidente che condividere una produzione sarebbe stato impossibile e che i set avrebbero dovuto essere ricostruiti da zero, aggiungendo oltre un milione di dollari al costo dello spettacolo.
“Lohengrin” è un’opera con in mente la guerra. Ma re Heinrich e il suo appello a difendere la Germania dagli invasori non rendono facile tracciare parallelismi con l’Ucraina in guerra e il suo presidente, Volodymyr Zelensky.
Questo perché la storia di Heinrich fu ripresa – da Wagner e poi dai nazisti – come simbolo del nazionalismo germanico, in tutta la sua oscurità e xenofobia. Questo è il contesto in cui alcune compagnie d’opera cambiano una parola nell’ultima battuta di Lohengrin, quando, al magico ritorno del fratello di Elsa, annuncia che il “Führer”, o capo del popolo, è arrivato.
Per evitare ulteriormente l’associazione di questo salvatore con Hitler, diversi registi forniscono commenti su come interpretano il fratello. C’è qualcosa di minaccioso in lui? cosa redentrice? nulla?
Gerard, però, ha un giovane biondo dall’aspetto molto ariano in un bianco fluente e angelico che scende le scale, uno strano ultimo tocco di ingenuità in questo “Lohengrin”, una produzione che finisce per essere troppo semplicistica per un momento complesso e un’opera complessa.
Lohengrin
Si svolge fino al 1 aprile al Metropolitan Opera, Manhattan; metopera.org.
“Analista. Pioniere totale della TV. Fanatico della pancetta. Fanatico di Internet. Esperto di birra per tutta la vita. Appassionato di web. Appassionato di Twitter.”
